Ernesto Collado: «Ahora más que nunca es necesario que la gente imagine utopías»

1 de julio de 2013 No Comments

Ernesto Collado, actor y creador intermitente de la escena contemporánea barcelonesa, integrante de la Fundación Collado – Van Hoestenberghe, es autor e intérprete de la obra de teatro “Montaldo”, que se representará del 11 al 14 de julio a las 20h en el Teatro del CCCB en el marco del Grec Festival de Barcelona.

Esta obra sigue la expedición que Ignasi Montaldo, un chico aragonés mudo y tímido, hizo a mediados del siglo XIX a los Estados Unidos con un grupo de icarianos (seguidores de las teorías del pensador Étienne Cabet) para fundar una comunidad de socialistas utópicos.

Con el objetivo de profundizar en el planteamiento de “Montaldo”, el ciclo GREC EXPERIMENTAL CCCB incluye dos actividades paralelas a la pieza: el debate “Vamos a contar mentiras: Arte, ficción, realidad”, que se celebró el pasado 13 de junio, y el “Día MONTALDO: Icaria, la utopía ahora”, que tendrá lugar el próximo 5 de julio a las 19h en el Teatro del CCCB.

En el debate, Ernesto Collado partió de la convivencia entre verdad y falsedad que propone la obra para moderar un debate sobre qué papel tienen realidad y ficción en las prácticas artísticas contemporáneas. Participaron en este debate el productor cultural Bani Brusadin, el historiador del arte Jorge Luis Marzo y el artista Job Ramos.

El “Día Montaldo” propone otro acercamiento al movimiento cabetiano y a la ciudad utópica de Icaria a través de la proyección del documental Christmas in Icaria (2012), introducido por los directores de la pieza: Daniel García y Aurelio Medina. A continuación, Ernesto Collado presentará el proceso de creación y trabajo de “Montaldo”. En la siguiente entrevista, Collado ofrece unas pinceladas de este proceso y reflexiona sobre la razón de ser de las utopías, así como sobre la delgada frontera que separa ficción y realidad.

Iván Morales: «La adolescencia me interesa, pero hay una cosa más esencial: la amistad»

26 de junio de 2013 1 Comment

El actor, director y guionista catalán Iván Morales, miembro de la asociación de proyectos audiovisuales y teatrales Prisamata, dirige el montaje Jo mai, que podrá verse en el Teatro del CCCB, del 25 al 28 de julio a las 20h, en el marco del Grec Festival de Barcelona.

Jo mai se define como un cuento de género negro sobre un grupo de chicos y chicas que quieren formar, en el bar abandonado Amparo, la familia que nunca tuvieron. Los actores Marcel Borràs, Àlex Monner, Oriol Pla, Laura Cabello y Xavier Sáez protagonizan esta obra, en la que los personajes se esfuerzan para encontrar su sitio en el mundo.

Antes que se estrene Jo mai, dentro de la programación GREC EXPERIMENTAL CCCB el Grec y el CCCB organizan, el sábado 29 de junio a las 19h en el mismo Teatro, el “Día JO MAI: Todo sea por los amigos”, una actividad que propone profundizar en el retrato de los protagonistas de la obra como si les conociéramos en el Bar Amparo.

Jo mai © Helio Reguera

En esta sesión, Iván Morales presentará dos piezas audiovisuales que ha dirigido con una historia cercana a Jo mai: el cortometraje Dibujo de David (2007) y el videoclip At the gates de Nitch. Este grupo musical barcelonés, autor de la banda sonora de “Jo mai”, pondrá el punto final a la actividad con una actuación en directo.

Entrevistamos a Iván Morales, que nos habla del protagonismo de los jóvenes y de la amistad en su obra, de los referentes que le han conducido a tratar estas temáticas y de la situación actual del teatro en Cataluña.

¿Qué relación existe entre las historias de la obra Jo Mai, las del cortometraje Dibujo de David y las del videoclip At the Gates del grupo Nitch?

Cuando dirigí Dibujo de David supongo que no terminé de vaciar muchas de las inquietudes que tenía dentro y que intenté explorar. El proyecto de Jo Mai hacía tiempo que me daba vueltas por la cabeza ya en aquella época, pero cuando me puse a escribirlo por primera vez fue tras el rodaje de Dibujo de David, y no podía dejar de imaginarme a aquel actor que había descubierto gracias a aquel cortometraje, Marcel Borràs.

Helio Reguera, el líder de Nitch, ya salía, también, en Dibujo de David, como figurante dentro de la fiesta. Cuando me hizo descubrir su banda me dejó flipado: ¡¡¡con quince años ya era líder de un grupo de Rock’n’Roll!!! Cuando hablamos de realizar un videoclip juntos y, asimismo, de hacer la música para Jo Mai, lo más lógico fue intentar que aquellos dos proyectos se aunaran y dirigir un vídeo que diera imagen a su música, y que al mismo tiempo nos sirviera para descubrir algo más a los personajes del Bar Amparo. Con la ayuda de Pau Mirabet (director de fotografía) y de Vep Culleré (montador), y los demás actores de la obra (Àlex, Laura, Oriol, Xavi), nos pusimos a jugar y experimentar, llevando al límite a los personajes de Jo Mai en situaciones clave, rodando cinco días diferentes para solo cinco minutos de resultado final. At the gates es el resultado.

Los jóvenes son protagonistas de estas tres historias. ¿Por qué?

La adolescencia me interesa, obviamente, a nivel temático, pero existe algo más esencial en los tres proyectos que citas, más allá de la edad de los protagonistas, y es la amistad.

Sin embargo, debo decir que uno de los momentos más felices de mi vida fue asistir a una función de Sé de un lugar (otra de las obras de la Cia. Prisamata), un montaje protagonizado por personajes entre los treinta y los cuarenta años, al que uno de los actores de Jo Mai, Oriol Pla, llevó a treinta compañeros suyos de clase, menores de edad en aquel momento. La energía, la libertad, la falta de prejuicios culturales y la pureza con la que este público se enfrentaba a nuestra pieza constituyeron una de las experiencias teatrales más poderosas que nunca he vivido. Aquella noche tuve muy claro que era una buena idea hacer un espectáculo como Jo Mai.

¿Con qué referentes o experiencias has contado en el momento de crear Jo Mai?

Mi vida, la de mis amigos y conocidos, los libros de Elmore Leonard, las películas de Jacques Tourneur, el Super-Rawal, Tyler the Creator, The Brothers Size, Zanardi d’Andrea Pazienzia, los Hermanos Marx, Piter Pank, la Complicité, Jacques Audiard, el libro de mitología griega que me regaló mi madre cuando era pequeño…

En alguna entrevista has dicho que Jo Mai es «un cuento de género negro adolescente» cuya intención es ofrecer «una experiencia parecida a la de ir a ver un grupo de rock adolescente en su local». ¿Hasta qué punto la música de Nitch desempeña un papel importante para hacer vivir esta experiencia al público?

Helio Reguera es el director musical y él se ha encargado de que, tras los intérpretes de Jo Mai también haya, en sus propias palabras, «una puta banda».

La obra Jo Mai tiene un blog en el que explicáis parte del proceso de creación. ¿Por qué?

Es nuestro trabajo que el público conozca lo que hacemos y, un poco, cómo lo hacemos. Usamos las herramientas que están a nuestro alcance para hacerlo. No sé si la gente ya lee blogs, pero también es una forma de dejar constancia, por nosotros mismos, de nuestro proceso.

¿Cómo crees que la crisis económica y, más en concreto, la crisis del teatro convencional están dando paso a nuevos formatos alternativos en las artes escénicas y a nuevos públicos del teatro?

La crisis existe, económica, política, social… Crisis del teatro convencional, no lo tengo tan claro, quizá sería un debate muy extenso. En lo que sí estaremos de acuerdo, probablemente, es en que existe una situación de mierda general que nos afecta a las personas, y, obviamente, ello nos obliga, a quienes queremos dedicar la vida a explicar historias, a tener una responsabilidad extra a la hora de plantearnos nuestro trabajo, a la hora de hacerlo llegar, a ser aun más rigurosos con lo que ofrecemos al público y cómo se lo ofrecemos, a no hacer cualquier cosa para levantar, o mantener, nuestro chiringuito, y a buscar fórmulas y soluciones creativas, aunque sean económicamente precarias, puesto que parece que las cosas no son tan fáciles de llevar a cabo como hace unos años.

Una buena noticia puede ser que hemos aprendido la lección: ahora quizá estamos entendiendo que no son los medios que utilices los que harán que tu obra sea o no cutre, sino desde dónde la haces y por qué la haces.

¿Hay espacio en los circuitos habituales de teatro para las creaciones más experimentales?

Afortunadamente, si no hay espacio ya no es un problema tan importante como antes. Una parte del público está entendiendo, asimismo, que puede disfrutar de una gran experiencia teatral en cualquier sitio.

El Teatro CCCB no es un teatro convencional: es un espacio blanco, no tiene una programación estable y no está dentro de los circuitos oficiales, entre otras cosas. ¿Cómo crees que afecta eso a tu propuesta?

No lo sé. Lo veremos cuando la estrenemos. De momento, es un lujo participar dentro de este ciclo, junto con Ernesto Collado, y dentro del Grec. Nuestro ideal sería llenar el teatro de gente que habitualmente va al teatro, de gente que más bien va a exposiciones, de gente que va a conciertos, y de gente que no va a ninguno de esos tres sitios pero que intuye que aquí, en el Bar Amparo, quizá, podrá vibrar un buen rato.

GREC EXPERIMENTAL CCCB

10 de junio de 2013 2 Comments

El director del Grec, Ramon Simó, escribe sobre la nueva línea de colaboración entre el Grec y el CCCB.

Vivimos tiempos de cambio, tiempos en que parece que las convenciones y los hábitos adquiridos deben ser revisados o, por lo menos, cuestionados. Las artes escénicas no se quedan al margen de ese proceso. La relación del teatro, de la danza, del circo, incluso de la música con la sociedad, con su público, también se está redefiniendo. Las artes escénicas son, ante todo, una experiencia comunitaria. Parten de la voluntad de mantener una vivencia compartida en presente, negando la distancia y la dilación, físicas y sensoriales, de los medios telemáticos. Son sensación, emoción y pensamiento sostenidos en vivo. Sin embargo, en un mundo cada vez más gobernado por el individualismo, por las telecomunicaciones y por las redes, las artes escénicas evolucionan y empiezan a cambiar el patrón convencional de relación que han mantenido, durante siglos, con los espectadores.

Un espectáculo no es solo un producto artístico destinado al entretenimiento, ni tampoco un artefacto capaz de emocionar e incitar el pensamiento. Es una acción estética de comunicación que se realiza en un ámbito común y que, necesariamente, tiene a la sociedad como destinatario. Esta acción no puede resolverse ni agotarse, hoy, en la representación. Es preciso, quizá, que la relación con el espectador empiece mucho antes del momento de la representación y acabe bastante más tarde. Debemos poder ofrecer la posibilidad de disfrutar del espectáculo, de la propuesta técnica, ética y estética que supone, desde muchos puntos de vista y desde todos los soportes que nos facilitan el contacto con el espectador.

GREC EXPERIMENTAL CCCB es una primera prueba de cómo puede ser esta nueva relación entre espectador y espectáculo. Queremos tentar al espectador con una experiencia escénica que va más allá de la recepción convencional de la representación. Con la ayuda de las redes sociales, con la convocatoria de eventos complementarios, de acciones que nos ayuden a situarnos en el contexto de cada propuesta, con la colaboración de profesionales y artistas de ámbitos diversos y de formaciones distintas, queremos colocar el teatro en el espacio público, en el espacio compartido que a veces perdemos por múltiples causas conocidas, desde el exceso de información hasta la información indefinida y sin categorías.

Un espectáculo es un esfuerzo expresivo, una apuesta estética que desea expresar el mundo y, al tiempo que lo expresa, entenderlo. Toda representación es una forma de comprensión. En un momento en el que resulta tan difícil decir algo sobre el mundo, en un momento en el que cualquier discurso se ve enseguida enturbiado y desarmado, hay que intentar alimentar nuestra capacidad de sorprender, de elaborar discursos que vayan más allá de la desautorización interesada y de la promoción dela ignorancia. Por todas estas razones, y para disfrutar juntos del espectáculo, iniciamos este GREC EXPERIMENTAL CCCB.

La propuesta, que empieza esta semana, incluirá charlas, proyecciones y conciertos que profundizarán en el planteamiento de dos producciones del Grec 2013: “Montaldo” y “Jo mai“.

+ info: http://www.cccb.org/es/musica_i_art_escenic-actividades_paralelas-44013

Twitter: #experimentalgrec

Marc Kelly Smith: «El Slam atrae a más público a la poesía»

15 de mayo de 2013 No Comments

Nacido en Chicago en 1949, a Marc Kelly Smith le llaman «Slam Papi». El fundador del Poetry Slam inició el movimiento en 1986 en su ciudad natal y desde entonces este no ha parado de crecer por todo el mundo.

El Poetry Slam es un formato de poesía y expresión oral en el que la creatividad literaria y la expresión dramática son los pilares fundamentales. Es una manera diferente de entender el género, y su práctica fomenta la lectura, la escritura y las habilidades interpretativas.

Hoy centenares de ciudades acogen campeonatos de Slam y este joven formato de poesía oral ha llegado a todos los rincones del planeta. En Barcelona se celebra desde 2006, y desde el pasado mes de diciembre el Hall del CCCB acoge una vez al mes el campeonato regular de la ciudad. El Slam también ha estado presente en diferentes ediciones de Kosmopolis, la Fiesta de la Literatura Amplificada, con la final del Gran Slam.

Este sábado 18 de mayo, Marc Kelly Smith estará en Barcelona y ofrecerá en exclusiva un taller de Poetry Slam (más información, aquí). Por la noche participará en la sesión de mayo de Poetry Slam Barcelona, que coincidirá con La Noche de los Museos en el CCCB.

Ismael Guzmán le ha hecho esta entrevista.

P: ¿Qué es para ti el Poetry Slam?

MS: Hay por lo menos tres definiciones de Poetry Slam. La primera es la reunión del arte de interpretar con el arte de escribir poesía. La segunda, que es un evento de poesía interpretada que es altamente entretenida e interactiva. Y la tercera, que es un público que juzga en la competición de poesía. Para mí el Slam significa comunidad, la gran familia de personas afines de todo el mundo que participan y se dedican al movimiento del Slam.

P: ¿Qué sentían estas personas cuando empezaban a formar este movimiento? ¿Se daban cuenta de lo que llegaría a ser?

MS: Desde muy pronto supe que la interpretación era la respuesta para atraer a más público a la poesía. Casi todos los principios que guían el Slam fueron creados bajo la premisa de que el trabajo del poeta es comunicar con eficacia y cumplir con su público. Los Slams son abiertos a todas las formas de poesía, a todos los temas y a todas las clases de personas. Estaba muy seguro de que esto se expandiría y se difundiría a través de los Estados Unidos, pero nunca me imaginé que el Slam se convertiría en un fenómeno mundial.

P: ¿Qué le aporta el Poetry Slam a la literatura?

MS: Si la literatura tiene que ser leída o recitada en un escenario delante de un público, esto debería hacerse con dedicación, pasión y arte, tal y como se vive en cualquiera de las demás artes performativas. Los slammers deberían esforzarse para estar al mismo nivel de los mejores actores, cantantes, bailarines, etc., de nuestros tiempos. Cuando lo hacen, consiguen que la literatura en directo cause las mismas emociones al público que las obras de teatro o los conciertos.

P: Muchos poetas se niegan a ser juzgados con una puntuación. ¿Qué les dirías?

MS: Los poetas (como todos los artistas) son constantemente juzgados por amigos, lectores, editores, productores, etc. Las competiciones de Slam son formas vivas de conseguir la atención del público. El formato de competición es un recurso teatral diseñado para crear drama y suspense. Siempre que un artista sube al escenario está siendo juzgado, sea puntuado o no.

P: Si soy slammer y recién empiezo en esto, ¿qué puede enseñarme Marc Smith?

MS: En mi taller introductorio ofrezco a los poetas un vocabulario para examinar y desarrollar los elementos fundamentales para la interpretación: volumen, tempo y articulación, además del manejo del estado de ánimo, de los gestos, de la mirada, etc. Nuestros cuerpos, voces y mentes son nuestros instrumentos. Necesitamos aprender cómo usarlos y jugar bien con ellos. El taller también guía a los poetas a cómo superar el miedo que puedan tener del escenario.

P: Y si soy slammer desde hace años, ¿qué puede enseñarme Marc Smith?

MS: Los mejores artistas dramáticos que conozco nunca dejan de buscar nuevas técnicas y trucos dela interpretación. Para estos slammers puedo ofrecer lo que sé y lo que necesitan de mis treinta años como slammer.

P: Siempre definimos el Poetry Slam como 50% interpretación y 50% poesía. ¿Es así? ¿O crees que hay algo más importante?

MS: Esto es lo que hemos afirmado desde los inicios y creo que debería seguir siendola guía. Los slammers deben esforzarse por el mejor texto posible, interpretado de la mejor manera posible. Por supuesto, lo ideal pocas veces se logra, a veces el texto supera la interpretación o la interpretación es más pulida que las palabras, pero el objetivo es que tanto la página como la escena sean lo mejor posible.

P: Tu frase «Slam es comunidad» es famosa dentro del mundo del Slam. ¿Cómo se consigue esto cuando los poetas suelen ser individualistas y a menudo ególatras?

MS: En mi opinión, la experiencia humana es una lucha constante entre aquellos que encuentran sentido en servir su comunidad y aquellos que solo se sirven a sí mismos. La ambición frente a la acción de dar. La arrogancia frente ala humildad. La comunidad del Poetry Slam es un espacio donde las personas se pueden convertir en individuos diligentes o seguir manteniendo los deseos de su ego-mente como un eterno fantasma sediento.

P: ¿Por qué crees que este movimiento tiene tanto éxito?

Dani Orviz, ganador del Gran Slam Kosmopolis 2013.
© Miquel Taverna, CCCB, 2013

MS: Gracias a los organizadores dedicados y desinteresados (cientos, quizás miles ahora, que nunca están en el foco de atención) que establecen las etapas y construyen la audiencia juntos. Y, por supuesto, gracias al arte de los slammers que dan vida a las palabras y hacen que estas sean más que letras sobre un papel.

Para más información, podéis consultar la web y las redes de Poetry Slam Barcelona: www.poetryslambcn.com, Facebook, Twitter y YouTube.

Poetry Slam Barcelona está organizado y producido por Hipnotik Faktory y Red927, y cuenta con el apoyo del CCCB y del ICUB – Ayuntamiento de Barcelona.

Bani Brusadin: «McLuhan se equivocaba, ¡el medio no es el mensaje!»

7 de febrero de 2012 1 Comment

Los «influencers» están a punto de aterrizar en el CCCB. ¿Quiénes son? Bani Brusadin, fundador y director de The Influencers, festival de arte no convencional, guerrilla de la comunicación y entretenimiento radical, nos habla en esta entrevista de artistas activistas, visionarios, científicos chiflados, falsificadores, impostores… que durante casi diez años han formado parte de este proyecto cultural alternativo. Ahora vuelven a estar aquí. Del 9 al 11 de febrero, The Influencers en el CCCB.

Bani Brusadin, fundador y director the The Influencers

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